にぎやかな世界

  • 2017.09.01 Friday
  • 22:56

 本書は2008年の連続講演「ジョン・ケージ『433秒』を/から考える」のテキスト化。

 

  この連続講義ではもちろん、ケージの言ったことや書いたこと、さまざまな作品に

  言及はしていきますが、ジョン・ケージの全体像、彼がどういうことをなしえた人

  なのかをトータルに論じることが目的ではありません。……僕がやってみたいのは、

  ジョン・ケージが作曲した『433秒』という作品「を/から」考えるということです。

  この作品はいったい何を意味しているのか、いったいこの作品は何なのか、もう一度

  考えられる限り考えてみる、つまり「『433秒』を考える」ということが一つ。もう一つは、

  『433秒』という作品を足掛かりにして、どこまで思考を拡げていくことが出来るか、

  どこまで色んな多くのことを考えることが出来るか、つまり「『433秒』から考える」と

  いうこともやってみたい。

 

 ケージの作曲の契機としての「無響室の体験」というものをここに重引する。

 

  空っぽの部屋や空っぽの時間などというものはない。見るべき何ものか、聴くべき

  何ものかがいつもある。実際、沈黙をつくろうとしても、つくることなどできないのだ。

  ある工学的な目的のためには、できるだけ静かな状況が必要とされる。こうした部屋は

  無響室と呼ばれており、六つの壁面が特別の素材でできた、反響のない部屋である。

  私は数年前、ハーヴァード大学の無響室に入って、一つは高く、もう一つは低い、

  二つの音を聴いた。そのことを担当のエンジニアに言うと、高い方は私の神経系統が

  働いている音で、低い方は血液が循環している音だ、と教えてくれた。私が死ぬまで

  音は鳴っている。そして死んでからも音は鳴り続けるだろう。音楽の未来について

  恐れる必要はない。

 

 良くも悪くも、講演はこの体験の堂々巡りに終始する。

「音は鳴っている」、たとえ433秒にわたって「休止Tacet」していたとしても。

「聞こえているのに聴いていなかった『音』を『聴く』ように仕向ける。あるいは、あなたは

自分でも気づいていないまま、そうしているつもりもないままで、実はすでに『聴いて』いる」。

 筆者が幾度も繰り返すように、「聴くlisten」の「聞くhear」に対する、「音楽」の「音」に

対する優位性を論じているわけではない。

 ただし、このロジックの延長は、ひとつの重要な宣言を孕むこととなる。

「音楽家なんかいらない、窓を開ければいい」。

 

 窓を開ける。

 もう9月というのに朝方に喚き散らしていた蝉の声は消えた。

 夜、入れ替わるように、子どもの泣きじゃくる声が遠く聴こえる。ロールスクリーンが風に

なびいて壁を打つ。うるさい。

 窓を閉める。

 PCの排気音がして、結局うるさい。

 

 いちいち有料で購入するまでもなく世界に溢れた、溢れる、溢れるだろう『433秒』

――「枠」をどうするのかは大問題だけれど――を作品たらしめるものといえば今や、

そのほぼすべてが作曲家自身を含めた語りや解釈に他ならない。

 聴覚から視覚媒体への脱構築的変換作業としての『433秒』は、別の仕方で自ずから

「音楽」の終わりを知らせる。それはあたかも視覚的、技術的探求のほぼ一切を放棄して、

小学生レベルのなぞなぞ大会に日々励む現代美術とやらに似て。

 それも仕方がないのかもしれない。知覚や認識をめぐるまともな探求作業は、とうの昔に

人間工学やITにその座を譲り渡してしまったのだから。理論知scienceとしての立場はおろか、

実践知artであることすらやめてしまった芸術は、さてどこに次なる居場所を持つのだろうか。

Yours Truly

  • 2017.05.25 Thursday
  • 21:44

「ここ十数年の音楽業界が直面してきた『ヒットの崩壊』は、単なる不況などではなく、

構造的な問題だった。それをもたらしたのは、人々の価値観の抜本的な変化だった。

『モノ』から『体験』へと、消費の軸足が移り変わっていったこと。ソーシャルメディアが

普及し、流行が局所的に生じるようになったこと。そういう時代の潮流の大きな変化に

よって、マスメディアへの大量露出を仕掛けてブームを作り出すかつての『ヒットの

方程式』が成立しなくなってきたのである。

 本書は様々な角度から取材を重ね、そんな現在の音楽シーンの実情を解き明かす

ルポルタージュだ」。

 

「史上最もCDが売れた年である1998年に比べ、2015年の音楽ソフトの生産金額は

40%に過ぎない。6074億円から2544億円へ。この17年でおよそ3500億円の市場が

失われた計算になる」。

 とはいえ、こうした数字を論拠に、音楽業界が時代の動向を掴み損ね、取り残された

証左だ、などという安直な結論を本書は引き出すものではない。それどころか、こうした

数字こそが、音楽シーンと社会の連動性を示唆するものに他ならないことを主張する。

 

 上記の通り、CDは売れなくなった。しかし、それだけの金が音楽コンテンツの消費から

まるまる消え去ったわけではない。「CDよりライブで稼ぐ時代になっているのだ。……

2015年の音楽ライブ・エンターテインメントの市場規模は3405億円。2010年からの5年間で

2倍以上に市場が拡大した」。

 この背後にあるのは、いわゆる「モノ」から「コト」への体験消費マーケティングの隆盛、

いみじくもライブ市場は恰好の仕方でそれを体現する。

 そしてその風景はしばしば、「参加型」の体験として実践される。会場内の聴衆に配布

された無線型ペンライトやLEDリストバンドを「主催者側が無線通信を用いて光の点灯や

点滅、色の変化を制御」することで、客席が視覚的にも「曲や照明や映像と連動」して、

その結果「強い一体感が生まれる」。

 

 とはいえ、本書の骨子というべき社会構造の転換をめぐる議論に別段新しい話が

観察されるでもない。率直に言えば、既知のフォーマットを音楽業界に落とし込んで、

それをおさらいしただけのテキストという以上のものではない。

ホモ・ルーデンス

  • 2016.12.30 Friday
  • 20:22

「バイエル・ピアノ教則本は世界中で愛用されてきたのに、バイエルと彼の教則本に

ついて確実なことが何もない。肝心なことは何も分かっていない。信頼できる情報が

何もない。なぜ日本人はこんなにも長くバイエル・ピアノ教則本を弾いてきたのだろうか。

誰も答えることができない。私が知りたいのはその答えである。日本の大切な文化の

一つについて知りたいと思っている」。

 

 初版本を求めて、公的な記録を求めて、世界を飛び回る。そして往々にして空振る。

 輪郭さえも掴めないその旅程でも、確かな発見はある。訪れたドイツの出版社で

カタログを閲覧する。「1900年発行のショット社の出版目録でバイエルの作品は最大の

27ページを占め、ベートーヴェンの2倍以上、モーツァルトの5倍以上、シューマンと

ショパンの約7倍である」。編曲であることを差し引いても、大御所と呼ぶに恥じぬ実績、

それなのに伝記のひとつも書かれていない。ゆえに不在説や偽名説も飛び交う。

 探求を立ち上げて既に4年目、冬のマインツ、文書館で名前を検索にかける。

新資料発見か、しかしまもなく落胆に変わる。「興奮して飛びついたカタログは

99パーセント同姓同名の建築家バイエルのものだった」。ところがそんな失意の中、

漠然と犯したとある言い間違いが思わぬ真相へと筆者を誘うこととなる。

 

 ある大胆な仮説を立てる。曰く、「バイエルは教則本である、という前提を破棄して、

バイエルはお楽しみ曲集である、としてしまえば、番外曲は盲腸のようなもので、

前時代の教則本の遺物のようなものでしかない」。

 音楽的素養に欠ける私には、その真偽は知れないが、少なくとも思ってしまう。

 意匠すらも受け取り手に伝わらずに今日まで来てしまったテキストって、どうなんだろう。

 

 ある面、本書のハイライトはエピローグにこそある。

「脱稿で解放されたような気分になった私は、何の気なしにグーグル・ブックスの検索

ボックスに『Ferdinand Bayer』と入れてみた。すると気になる記事が出てきた。以前には

なかったものだ」。

 かくして筆者の作業はただの答え合わせへと変わってしまったかに見える。

「たった数回クリックするだけです。それだけです。それだけのことで私の6年間が

無意味になったのです」。

 なるほどこの旅路は、スマホ世代にしてみれば、ググレカスで終わってしまうような

話でしかないのかもしれない。一連の費用を印税で回収できるのかさえ怪しい。

 しかし、筆者が遭遇したセレンディピティの興奮をネットはどこまで与えてくれるだろう。

 他人が拾ってきたデジタル情報を映し出すディスプレイを見て、果たして誰が「この日、

この瞬間のために私は生きてきたのだ、と言いたいくらい」の情念を抱けるだろう。

 

「知る」だけならば、いずれ情報の組織化は世界を覆ってしまう。

 しかし、「探す」ことの面白さを検索窓がもたらしてくれるかは、はなはだ怪しい。

それが欲しければ、あえてPCやスマホを切ることくらい、未来にもおいて許されるだろう。

 役に立つ、金になる、それ以外には何もない小うるさいだけのサルどもに背を向けて、

束の間、好きな音楽に耳を澄まし、好きな本を調べてみる自由くらい、人間にはある。

 無駄? だから何?

 かくして本書の主題は、フェルディナント・バイヤーから筆者へと変わる。

「禁じられた遊び」

  • 2016.10.29 Saturday
  • 19:54

「この本は、意見や推量をもとに書いたものではなく、音楽の音がどのように作り出される

のか、その音と音が組み合わさって曲ができると何が起こるのかという事実にもとづいて

書いたものだ。多くの人が、音楽は芸術だけから成り立つと思っているが、それは正しくない。

論理学の規則や、工学、物理学が基盤になり、音楽の創造性を支えている。過去数千年に

おける音楽と楽器の発展は、芸術と科学が相互に影響を及ぼし合って成し得たものなのだ」。

 

 そもそもオクターブって何、和音って何、といった素朴な基礎知識を分かりやすく

論じる、ということにおいてはとてもよくできたテキストとは思う。

 音量の認知においては単純な1+1=2は成り立たず、「楽器10台の音量は1台の音量の

2倍しかなく、100台の音量は1台の音量のわずか4倍になる」仕組みなんてことを

知覚の生理の観点から説く手腕なども見事。

 

 ただし、こうした邦題の通りの「科学」要素がそこまで押し出されているわけでもない点が

総じてみればいささか物足りない、との感を与えることは否めない。実践知としての音楽の

セオリーを、一風変わった実験を通じて、認知心理学や人間工学等の見地から反証する、という

テイストを期待していた私にとっては肩すかし。

 稀にもそれらしいことをしてくれている、ホ長調は「明るく楽しく活発」といった、調と気分の

関連性をめぐる議論にしても、実験の手法が粗雑に過ぎて、残念ながら検証と言うには程遠い。

そもそもの対照群としての「単純で陽気な曲」と「ドラマティックな曲」をどう選定したのか、

それ自体の定義を問うことこそが実験の意義のはず、と首を傾げてしまう。

 

 そして、隙あらば挟み込まれるイングリッシュ・ジョークはもれなくだだ滑り。「どんなに

小さな声でも、どんなに音痴でも構わない。どのみちわたしには聞こえないのだから」とか、

「アドバイスを実践してリッチになったら、年収の5パーセントを『ジョン・パウエル』宛ての

小切手にして送ってほしい。クレジットカードでもOK」といった具合に。つまらなすぎて

そのハートの強さが面白い、という境地へと達するほどに突き抜けているわけでもない。

 

 オールド・スクールの俗説を覆す、というニュアンスを私が表題から誤読してしまった

だけの話で、ネガティヴな評が長くはなったが、入門書としてはとてもよくできている。

 逆に言えば、それは経験知としての音楽が極めてよく磨き抜かれている、ということの

裏返しなのかもしれない。

「戦いと、そして友情」

  • 2016.10.20 Thursday
  • 22:33

「西洋人との信頼関係は、ある意味、対立の中で培われるものだと思う。……僕は

合奏指揮者として主張するべき時は自分の意見を言う。そうすることで、彼らは逆に

僕という人間が何にこだわり、何を大切にしているかが分かり、僕や合唱団のことを

とても尊重してくれるのだ。だから対立や議論から逃げてはいけない。……何も僕は

この本で、対立を避けて“なあなあ”になってしまおうとする日本人の傾向を正したり、

縦割り社会の硬直性にメスを入れたりしようなどという大それたもくろみを持っている

わけではない。けれども、僕が劇場内の話を誰かにすると、決まって、『三澤さん、

こういう話を是非本にしてくださいよ。日本の組織を変えるヒントを示すためにも!』と

言われる。/そうした言葉に乗せられて。ひとつだけ自惚れて言いたいことがある。

それは、日本人はみんな『いいこ』になりすぎるのではないかということである。

あるいは嫌われるのを恐れすぎると言った方が良いのかも知れない。自分のやりたい

ことは迷わずやればいい。人の目を気にすることはない」。

 

 と、こんな書き出しだけを見れば、よくある成功者による自己陶酔的な啓発書、

経験談を安直に一般化しただけの本か、と思われる向きもあろうが、開いて間もなく

そうした面倒くささとはおよそ対照的なテキストであることが分かる。

 通常、クラシック界のトップと言えば、幼児教育からの純粋培養型が想像されるが、

この三澤氏、はじめてピアノに触れるのは中学生になってから、指揮者を志すのとて

大学に進んでからのこと。履歴ひとつからして、時に笑えるほど、突拍子もない。

 件の「対立」云々をめぐる話にしても、その相手のキャラがいちいち立っているから、

説教臭が絡むことなく、面白いエピソードトークへと昇華される。それはもちろん、

オペラの舞台が完成する裏側を克明に記したガイダンスとしての機能も併せ持つ。

 

 さりとて、実践者だからこそ可能な観察も時に顔をのぞかせる。

 例えばカラヤン、筆者によれば、その技術の要は「アスリートとしてのフォーム」。

 曰く、「直接の指揮技術に関係しているのは水泳……腕の運動は、レガートの

表現をなめらかにする。/また、水の中では自分が起こしたアクションがワンクッション

遅れて返ってくる。これが、指揮者が起こしたアクションとオケの反応との時間差に

慣れる良いエクササイズとなっている」。そして「一方、スキーは……音楽のあらゆる

面でのバランス感覚に大きな影響を与えている。……スキーをする音楽家は、

恐らく誰しもがターンに音楽的フレーズを重ねて考えているだろう。加重や抜重には、

音圧やダイナミズムを重ね合わせるだろう。……彼のフレージングを聴けば、どんな

滑りをしていたのかは手に取るように分かる」。

 ホンマかいな、と少しだけ思う。

 でも、趣味を嗜むということにおける小さからぬ要素のひとつは、あるいは与太話かも

知れぬこうした物語に耳を傾けることでもある。

 

 本書に対して好感がもてるのは、本当に好きなことをやっている人間の強み、文字通りに

音を楽しむことが、テキスト全体で貫徹されている点にある。

 そうした意味での音‐楽を体現した本として、とにかく稀な一冊。

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